Sortie : Janvier 2012

Label : Oilworks

Genre : Glitch-hop, breakbeat

Note : 8/10

Vous l'aurez deviné, cet album provient tout droit du pays du Soleil levant. L'album est
signé chez Oilworks, un label qui nous révèle une scène abstract hip-hop japonaise
novatrice (phrase qui sous-entend que ce n'est pas ma dernière chronique sur le sujet).
Himuro Yoshiteru, c'est un nom guimauve qui sonne comme un personnage de jeu de baston, et qui pourrait notamment envoyer deux ou trois tatanes à Prefuse 73, histoire de lui dire que ce dernier a trouvé des remplaçants bien moins chiants depuis quelques années.

Il y a des albums qui nous happent après 5 secondes d’aperçu et qui se dessinent comme
une carte au trésor. Mais c'est uniquement après d’incalculables onomatopées lancées à
imiter les caisses claires de l'album, que je me sens enfin capable d'esquisser mon
ressenti sur la fourmilière à idées que nous propose ce disque. C'est funky et barré tel
que l'illustre la pochette. J'ai la tête toute retournée, comme une terrible migraine
causée par des samples à la précision chirurgicale. Les morceaux se révèlent vastes comme
un mind game. Chaque track illustre un nouveau délire du maître japonais. Himuro est
encore un de ces artistes influencés par les dessins animés diffusés à l'heure du goûter.
Je suis intrigué par tant de génie, proposant des morceaux de breakbeat improbables au
samples de voix décalées et aux rythmiques triturées qui laissent penser qu'aucune
seconde d'un même morceau ne soit similaire. J'ai commencé avec le morceau REM Sleep
devant lequel je m'imagine toujours Autechre jouant de la guitare. Ensuite je me suis
baladé entre du hip-hop plus old-school et ses scratches et synthés bien 80's tel que dans
SLCT., et les influences beat' n bass de The Angle. Enfin bref, j'en ai marre des
artistes sachant faire de tout, et bien. Je reproche à l'album de ne pas être assez
constitué comme un puzzle, les morceaux sont trop indépendants les uns des autres et ne
s'assemblent malheureusement pas. Cela reste tout de même homogène, dégageant une richesse impressionnante dans l'univers. Mes impressions sont comparables avec le Trademark Ribbons of Gold de VHS Head sorti en 2010 avec lequel je lui trouve plein de points communs, notamment à travers le travail des samples ou dans une appellation personnelle que je qualifierai d'IDM-funk. Je suis jaloux devant une telle démonstration, qui transpire tout de même d'émotions mélancoliques et enfantines. J'attendais un OVNI hip- hop comme celui-ci depuis longtemps, et cela se ressent dans ma note. C'est un véritable bazar musical, explorant toutes les formes de hip-hop déjà établies, comparable à un mélange entre le duo franco-chilien Del Wire et l'américain Eskmo. Himuro s'empare du passé, pour nous proposer une forme rarement aussi bien aboutie en matière de hip-hop ces dernières années.

Il y a du fantastique dans cet album, un mystère qui se révélera après plusieurs écoutes
aguerries. La minutie de la production nous noie dans un univers profond et typiquement
japonais. J'ai toujours était fasciné par ces albums sachant mélanger la sauvagerie de
l'outil électronique et la délicatesse de mélodies voluptueuses et rêveuses. Je suis un
paon et mon plumage te charme de ses couleurs hypnotisantes. Comme un Pneu , il te roule
dessus.

par Pneu Rouillé

Sortie : 30 janvier 2012

Label : Kompakt

Genre : Ambient

Note : 7/10

Ce qui va suivre est une chronique purement factuelle de Pop Ambient 2012, dernière édition en date de la série de chez Kompakt, pour la simple et bonne raison que ça me soûle de pondre tous les ans le même discours concernant l’histoire de ces compils. Pour cela, vous passerez par la case « rétro » en allant vous alimenter auprès des chroniques des précédentes éditions (2011 ici et 2010 ici).

Les bons élèves :

- Mohn (aka Jörg Burger et Wolfgang Voigt) avec un Manifesto massif, un bloc sonore brut et grésillant dont les réverbérations s’inscrivent dans la durée.

- Marsen Jules dont le Swans Reflecting Elephants s’offre une incursion jazz pour le moins déstabilisante mais brillamment maitrisé.

- Triola avec un Richmodis cinématographique installant un climat de suspicion.

- Wolfgang Voigt dont le Rückverzauberung 5 est sans conteste le meilleur morceau de cette édition. On fait face à une ambient audacieuse, proche d’un collage surréaliste avec ses instruments s’enchaînant sans logique tout en étant fédéré par une étrange nappe. Si vous pensiez que l’abstract ambient ne verrait jamais le jour, vous vous étiez planté.

Les mauvais élèves :

- Morek, Magazine et Simon Scott qui font dans l’ambient à papa. On s’y ennuie fermement et on attend gentiment que leurs morceaux se finissent.

Les autres :

- Bvdub fait du bvdub, mais en même temps c’est ce que l’on attend de lui. Son Your Loyalty Lies Long Forgotten est beau à chialer mais malheureusement bien trop court. Décidément, le mec est bon uniquement sur le format 20 minutes.

- Superpitcher qui se révèle poétique et vaporeux avec son Jackson lentement immersif.

- Loops Of Your Heart (aka The Field en version instrumentale) idéalement placé en fin d’album. Bien que trop répétitif, ce petit écart mélancolique, uniquement relevé par quelques notes de guitares, donne l’impression de vivre un été sans fin.

Cette fournée est à l’image de celle de 2011, un brin paresseuse (le comble pour de l’ambient !) tout en restant sporadiquement fascinante. On est tout de même loin de ce que peut offrir le meilleur de l’ambient actuelle. Kompakt ne démérite pas totalement mais semble avoir un léger train de retard.

par B2B

Sortie : octobre 2011

Label : Hibernate

Genre : Drone, Ambient, Abstract

Note : 8/10

Les observateurs de la scène drone/ambient commencent à savoir qui est Spheruleus. De son vrai nom Harry Towell, il participe à l'exposition de cette scène en dirigeant l'excellent netlabel Audiogourmet. Il a sorti ces deux dernières années un nombre conséquent de travaux, dont certains avec un artiste bien représenté dans nos lignes : Pleq. Il fallait bien qu'un label exigeant et pointu décide un jour de publier un de ces albums. Hibernate est une référence britannique, touchant aussi bien au drone qu'au post-rock en passant par les compositions électro-acoustiques. Citons parmi les pensionnaires de cet excellente maison : Field Rotation, Offthesky, Wil Bolton ou Talvihorros. Le label ne néglige jamais la qualité de ses packagings. Ses séries de postcards et de 3" sont aussi tout à fait remarquables. Voyage est déjà sorti il y a quelques mois, mais mérite bien qu'on s'y attarde.

Ce Voyage illustre en musique le dernier périple d'un bateau. Ni paquebot ni coque de noix, on ne connaît pas ce qui a provoqué l'avarie ce navire anonyme. Pas de sémaphore, pas de radio pour implorer une quelconque assistance. Le vaisseau des mers connaît l'issue de son funeste destin. Le capitaine s'est jeté à la mer, juste après que le gouvernail n'éclate, ne souhaitant pas assister à la progressive désintégration de son embarcation.

C'est sur une mer d'huile que ce dernier voyage se déroule. Avec l'infinie immensité pour seul compagne. Aucune tempête ni même une hypothétique corne de brume ne viendra bouleverser cette ultime épopée. Il y a bien comme une sensation lente de roulis. La lanterne muette tangue de bord en bords en attendant la salvatrice ultime embardée. La coque, percée en son coeur, laissera s'engouffrer l'invincible liquide. Le mat a partiellement rompu, et flirte désormais avec l'écume. On croirait même entendre, lors de Liquid Rust, des spectres envahir les abords des voiles déchirées pour mieux tracer la trajectoire vers un idyllique cimetière maritime. Car le navire ne connaîtra jamais le repos des profondeurs éternelles. Il viendra s'échouer sur les côtes d'une péninsule déserte, où son bois poreux tentera de fertiliser les récifs.

Les amateurs de ce glorieux genre de musiques trouveront peut-être en Voyage un certain classicisme et une évolution plus que lente. Mais c'est définitivement toute la force du concept. Ce voyage dont on devine la triste fin à la vue du splendide artwork, se vie plus qu'il ne s'écoute. Ses échos et les ondes qu'il dégage envahissent plus qu'agréablement. Allongé, les yeux fermés et accompagné d'une tasse de thé. C'est ainsi que l'oeuvre offrira ses trésors et s'impliquera plus fortement sur l'émotion et le ressenti. Ponctué à deux reprises (Clouds Swarm et le sublime She Sinks) par le piano du russe Alex Tiuniaev, Voyage est bien l'oeuvre d'un musicien (multi-instrumentiste) de talent, bien loin des travaux drone froids qui pullulent dans les ornières de la redondance.

Il est sans doute question ici de l'oeuvre la plus aboutie de Spheruleus. Un matériel d'écoute digne de ce nom ainsi qu'un "imaginaire" bien développé sont indispensables pour en saisir toute la substance. Même si il est réservé à un public ouvert et averti, cet album est bel et bien un des efforts les plus remarquables de cette année passée. Nous pouvons d'ores et déjà vous annoncer que nous allons suivre cette année avec la plus grande attention les sorties venues de chez Hibernate. Pour ce qui est de Spheruleus, nous vous invitons à a parcourir le catalogue d'Audio Gourmet. Notre cher Pingouin Anonyme, livrera très bientôt la chronique de la collaboration entre Pleq et lui : A Silent Swaying Breath.

par Ed Loxapac

Sortie : janvier 2012

Label : Warp

Genre : IDM, Experimental

Note : 8/10

Juste avant l'avènement de la révolution islamique d'Iran, la jeune Leila Arab paye cher les liens qui unissent sa famille au dernier Shah. Son exil britannique va la convertir définitivement à une autre révolution : celle que connaît la musique électronique. Remarquée pour ses talents de Dj, c'est pourtant auprès de Bjork (elle joua des claviers sur les premiers albums de l'islandaise) qu'elle va trouver en premier lieu la reconnaissance de son grand talent. La naine hurlante lui présentera plus tard un certain Aphex Twin. C'est le début d'une longue complicité qui acouchera d'un album brillant et surprenant pour l'époque : Like Weather, sur Rephlex. Que ceux qui ne furent pas parcourus de frissons lors de l'introduction vocale du ténébreux Luca Santucci sur Something se mettent à bouffer du gravier.

Le très lynchien Courtesy Of Choice paraîtra en 2000 sur le label XL Recordings. Encore aujourd'hui, le choix de ce label pour un tel disque demeure difficilement compréhensible. Lassée du music buseness et en perte d'inspiration après la mort de ses deux parents, Leila se tiendra éloignée des charts jusqu'en 2008, année où sort le somptueux Blood, Looms and Blooms, belle oeuvre de pop synthétique moderne qui rassemblera des vocalistes comme Martina Topley-Bird (ex-Tricky), Terry Hall (ex-The Specials) ou encore sa soeur Roya (qui posa sa voix sur Londinium, unique chef d'oeuvre d'Archive). Leila a un caractère bien trempé. Certains disent même qu'elle est ingérable. Ceux qui ont assisté à sa performance au Festival Factory il y a quelques années se souviennent forcément de la soufflante qu'elle infligea à Terry Hall lorsqu'il se manqua sur Time To Blow. Il a d'ailleurs dû remballé sa fierté et recommencer sa partie. Un peu plus tard, on remarqua de grossiers gestes d'agacement à l'endroit de ses machines mais surtout de l'ingénieur du son.

Pourtant, la jeune fille au vélo est encore plus exigeante envers elle même que vis à vis de ses collaborateurs, refusant de sortir des disques peu élaborés. C'est donc cette fois-ci avec Mt. Sims, chanteur, compositeur et compère de The Knife qu'elle a composé ce quatrième album, simplement baptisé U & I. L'album sort aujourd'hui, chez Warp, la critique est à l'affût.

Le dossier de presse dit que l'auteur de Ultrasex et Leila se sont rencontrés en 2006 lors d'une soirée costumée. Monsieur s'était grimé en unité centrale et s'est présenté comme un fan. Des vestiges de cette rencontre du hasard transpirent sur l'artwork mais surtout sur la carte mère de cet album. Car au delà du traitement très haché et définitivement industriel du beat, il règne sur Activate I, All Of This, Welcome To Your Life et surtout Colony Collapse Disorder des parfums de pogroms viraux et numériques dans les circuits. Une atmosphère froide et malsaine, digne d'une backroom pour geek sadomasochistes. Voilà qui donne envie hein, bande de coquins.

Si cet album a bien été écrit à quatre mains, les deux artistes n'ont pas renié leurs univers propres. Ils interviennent en périphérie, mais en complémentarité, au service du concept. Mt Sims aime bien ce genre de projets de toute façon. Son chant robotique ou son spoken word nonchalant se marie très bien avec ce magma numérique et ses écorchures digitales. L'exemple le plus digne est probablement le tubesque, et choisi en premier extrait (Disapointted Cloud) Anyway. Leila rappelle quand à elle sur le court (peut-être trop) Interlace qu'elle fut ingénieur du son et qu'elle affectionne particulièrement les improvisations et la spontanéité que lui offrent ses machines.

Pourtant, c'est sans le geek ultrasexué que la princesse Leila va offrir le plus beau et le plus vénéneux joyau de cet opus. Tout en grooves vicieux, en basses abyssales et en claviers Rephlexiens, Boudica agit comme un scalpel sur les synapses et provoque des convulsions irréversibles de la nuque. Il y a de la violence à revendre chez l'iranienne, même si elle n'en dévoile que trop rarement les preuves depuis ses premiers amours de rave.

Quelques mots à propos du songwriting, mystérieux et ambigu, à l'image de Mount Sims. Voici qui ne fera pas chavirer les hipsters et les weirdos férus de tropicalisme mais ça a franchement le mérite de susciter l'émotion et la curiosité. Malgré cette grande froideur et ce léger soupçon d'hermétisme, Leila ravive néanmoins le sens mélodique de la texture enfantine dont elle a le secret, comme sur Eight ou In Motion Slow. C'est probablement ça U & I, un album à la croisée des chemins entre l'humain et la machine.

Dépassant son simple concept, ce nouvel album est une véritable réussite. Il est peut-être un peu trop abrupt et rugueux pour ceux qui voudraient poser un premier pied dans l'univers de Leila. Ceux qui l'observent et l'encensent depuis ses débuts seront surpris mais adhéreront facilement. Sa philosophie du "vivons mieux, vivons cachés" réussit plutôt bien à sa musique. Elle qu'on accusait de ne pas se renouveler à l'époque de Courtesy of Choice a démontré que le grand écart ne lui faisait pas peur. Ce dernier est aux antipodes du précédent mais est maculé du même talent et de la même intelligence. Warp peut définitivement compter sur les vaches sacrées de l'IDM pour maintenir un tant soit peu l'attention des auditeurs les plus exigeants.

par Ed Loxapac

Sortie : décembre 2011

Label : Ultimae

Genre : Ambient, Downtempo

Note : 9/10

Avec neuf albums parus chez Ultimae, le multi-instrumentiste suédois Magnus Birgersson est un des piliers de la maison lyonnaise. Ajoutons à cela les sorties de sa collaboration avec Aes Dana pour le projet H.U.V.A Network. Solar Fields est probablement un des artistes qui pousse le concept de M.A.O le plus en avant. Son studio, ou plutôt sa station, se nomme Studio Jupiter. Et pour avoir vu quelques photos de l'endroit, je dois avouer n'avoir jamais vu un tel arsenal technologique. Voilà qui aide légèrement à produire un son unique. Pourtant, on est même plus surpris par la sortie d'un nouvel album du scandinave. C'est devenu presque un acquis annuel. Sans être dénuées de tout intérêt, ses dernières sorties m'avaient un peu laissé sur ma faim. Jetons donc une oreille au dernier né.

Inutile de le rappeler, Solar Fields a le matériel pour planter des décors aux potentiels immersifs importants. Il a pour habitude de laisser ses strates sonores progresser paisiblement, pour ensuite mieux délayer ses tableaux mouvants. Until We Meet The Sky ne déroge pas à cette classique application. On retrouve ce sentiment de plénitude et de communion solennelle avec les éléments. Dés les premières minutes de From The Next End, nous voilà transportés face à un bijou de l'aéronautique. La rampe de lancement du phallus spatial n'attend qu'un seul passager. L'auditeur. C'est pourtant vers des zones tout à fait organiques que s'avance notre périple. Vers de verts pâturages et des eaux cristallines. La contemplation et la volupté sont de mise jusqu'à After Midnight, They Speak.

En bon observateur de l'environnement, le suédois sait que Dame Nature est fragile et que ses dérèglements sont imprévisibles. Les batteries font donc leur divine apparition dès When The Worlds Collide, où le ciel semble s'assombrir à mesure que le beat se glitche. Même sensations à la fin du sublime Dialogue With A River, ou tout d'un coup les eaux pures entament une inaltérable mutation. 

A en croire les supports vidéos associés à ses lives, on peut supposer que malgré son souci de la sauvegarde de l'environnement, le sieur Magnus est probablement également intéressé par l'architecture et l'urbanisme. Pas d'étonnement donc quand, lancés comme un papillon exotique perdu dans un désert d'asphalte, nous assistons à l'étrange et inexorable ballet des voix rapides d'une mégalopole anonyme (Night Traffic City).

Mais voilà, même si les pauvres mortels que nous sommes l'en avions toujours su capable, Solar Fields parvient en fin d'album à pousser à son paroxysme sa démarche divine de spatialisation du son. Les oscillations de la puissance et de l'intensité ont quelque chose de littéralement bouleversant. Last Step In Vacuum et Until We Meet The Sky (et ses sublimes guitares qui se tendent comme un cheval se cabre) sont les idéals passeports pour qui veut se convertir à la haute fidélité. Il est inutile d'en dire plus. C'est sans aucun doute cela, le mastering parfait.

Ultimae a été sage en 2011 concernant son nombre de sorties. Si Perimeters d'Aes Dana (ici) et la compilation Ambrosia (ici) nous avait déjà pleinement convaincus, ce nouvel album de Solar Fields touche au sacré (probablement son meilleur). A force de vouloir rencontrer le ciel, on pourrait même y voir se dévoiler le visage de Dieu.

par Ed Loxapac

Sortie : 12 janvier 2011

Label : Ici D'ailleurs

Genre : Expérimental, Dark Folk

Note : 9/10

Matt Elliott est peut-être le musicien le plus désespéré de cette génération. Originaire de Bristol, cerveau de The Third Eye Foundation depuis le milieu des années 90's, l'homme a développé avec son groupe une forme musicale qui élève des ponts entre la drum'n'bass, le noise, les orchestrations néo-classiques et les influences de musiques traditionnelles. Revenir sur l'histoire de la formation comme sur la carrière musicale de son leader serait trop long. Contentons nous de dire que The Third Eye Foundation est un immense groupe. The Dark, son infiniment dévasté et dernier album date de 2010 (chronique ici). 

Seulement voilà, au début des années 2000, Matt Elliott s'est découvert des ascendances slaves et a quitté Bristol pour le Sud de la France. Deux faits qui pourraient en apparence être déconnectés mais qui ont eu une portée fondamentale sur l'évolution de sa musique. Seul - bien qu'accompagné entre autres de Chris Cole (Manyfingers) - abandonnant presque entièrement la dimension électronique, Elliott se met à composer des folk songs dont la moelle épinière devient sa voix et sa guitare. The Mess We Made est son chef-d'oeuvre, prodige absolu dans lequel toute âme mélomane et ne craignant pas la détresse se doit de s'être perdue. Drinking Songs, Falling Songs et Howling Songs ont suivi, tous sur le label français Ici D'ailleurs. C'est au tour de The Broken Man.

Dans la trilogie dark folk que contait ces trois précédents opus, le dernier, Howling Songs marquait un renouveau vocal. Les chorus, qui auréolaient sa voix d'épaisseurs spectrales avaient disparu, la révélant dans toute sa chaleur. C'est la guitare aujourd'hui, qui est le lieu du bouleversement. Il est lisible sur le web qui pullule d'éloges que son immersion dans la world music lui sied. Que ce terme est laid et tellement vide de sens pour qualifier la variation dont le jeu de son instrument fait l'objet. C'est de l'esprit de la guitare espagnole dont se sont imprégnées ses cordes, celui des accords fous et poignants de la musique andalouse. Bien que jamais, encore une fois, ses influences ne soient réductibles à une seule. Quelle ne fut pas la surprise lorsqu'à la première écoute de How We Fell s'élève une mélodie sensuelle et sombre, sur fond de bruits de clochers, aux couleurs de poussière ardente et aux odeurs d'olives et de javel des petits bourgs hispaniques. C'est alors que naît sa voix, chaude et vibrante, au creux d'un arpège. Il n'est pas humain d'avoir un timbre à tant vous arracher de larmes. Alors que les couches se densifient, que l'intensité s'enfle et que – enfin – des choeurs fantomatiques jaillissent en tourbillonnant, l'auditeur (fanatique?) soupire en se disant que Matt est malgré tout, resté un peu le même. Et qu'il ne va pas mieux. Son mal-être furibond, ses névroses magnifiques se fondent au coeur de son chant. La noirceur et la beauté pétrifiante dans lesquelles baignent ses sons vous gagnent comme le venin empoisonne le sang. C'est le poids de la tristesse du monde qui vous recouvre à l'écoute de Dust Flesh And Bones, pièce maîtresse et diamant noir qui serti The Broken Man. « This is how it feels to be alone. Just like we'll die alone ». Des sentiments les plus virulents, c'est la douleur de la perte que Matt crache, avec du miel dans la gorge, à la face de tous, lui qui menace de poignarder au visage tous ceux qui lui stipuleront qu'il vaut mieux aimer et perdre que de ne pas aimer du tout. De la l'apathie muette et permanente jusqu'à l'horizon indéfini du désespoir, tout de l'anéantissement de celui qui a perdu y est dépeint. Le piano, fugace et si vengeur, de If Anyone Tells Me..., le vide total, l'absence de rythme qui l'habitent et son errance houleuse de 13 minutes, en font une des plus sublimes pièces entendue depuis... longtemps. 

Les fans auront dû avoir la tête plongée à l'intérieur depuis un mois. Car « music has no price but it has value, Mp3's have a price but no value », Matt Elliott avait mis son album en vente digitale pour 2 euros, depuis le 24 novembre. The Broken Man est sorti officiellement hier. Il est grand temps pour tous de se réveiller, allègres et conscients de leurs risques et périls. Ne restera alors que poussière, chair et os.  

Sortie : décembre 2011

Label : Pschent

Genre : Deep-house

Note : 5/10

Masomenos c’est cette entité ostensiblement mystérieuse distillant depuis quelques années une deep-house primaire mais sympathique. Derrière ces personnages de cartoons faussement psychédéliques se cachent les français Joan Costes et Adrien Maublanc. Bon, ne soyons pas dupes, il y a un travail marketing bien formaté derrière tout cela puisque nos deux compères ont carrément pignon sur rue via une boutique dans les beaux quartiers parisiens. Perso, j’en ai strictement rien à foutre et je ne suis pas là pour vilipender telle ou telle pratique commerciale, ce qui m’intéresse uniquement c’est le dernier album en date du duo : Technocolor.

Mais pourquoi parler de cet album alors que l'on peut trouver bien mieux actuellement ? Pour la simple et bonne raison que de temps en temps, une deep-house linéaire ne peut pas faire de mal et aussi et surtout parce qu’à ce petit jeu, Masomenos ne démérite pas tant que ça. Ok, faire de la deep-house au kilomètre c’est facile mais ce n’est pas pour autant que la magie opère et là, justement, ça fonctionne plutôt pas mal (bon, je dois aussi avouer que je peux parfois être bon public).

Technocolor compile les derniers maxis du groupe qui sont sortis courant 2011. La bonne idée de cette « compilation » est d’avoir structurer le tout sous la forme d’un mix. Le résultat est imparable et vous donnera sans nul doute envie de bouger votre cul. Joan et Adrien ne sont pas nées de la dernière pluie, ils connaissent parfaitement les arcanes du métier. Si on peut les voir sur autant de festivals et de scènes, ce n’est pas pour rien. Les bougres savent comment manier une foule, comment la contrôler, comment lui donner sa petite dose d’extase. La deep-house de Technocolor est langoureuse à souhait et suffisamment futée pour vous tenir en haleine. Comme quoi, il suffit parfois de quelques ingrédients roboratifs pour maintenir la cadence.

Parce qu’il est pourtant clair que Technocolor est un album totalement calibré pour les clubs et qu’en dehors d’une écoute destinée à danser, il n’a aucun intérêt. Tout a beau bien sonner, il n’en demeure pas moins qu’on en saisit rapidement les limites techniques et la redondance. Et ce n’est pas parce qu’il y a une tripotée de featurings (Pier Bucci, dOP,…) qu’on me fera prendre des lanternes pour des vessies. Masomenos c’est de la deep-house jolie et inoffensive, ça vous passe entre les oreilles sans même que vous vous en aperceviez.

Technocolor n’a pas vocation de vous surprendre par sa classe. Masomenos poursuit seulement son chemin, le long d’une autoroute bien tracée. Il n’en demeure pas moins que parfois, un peu de prévisibilité ne peut pas faire de mal. Ce disque possède au moins l’avantage de vous faire danser pendant 1 heure sans vous prendre pour un con et ça, c’est déjà pas mal.

par B2B