Sortie : 4 Juin 2012

Label : Traum Schallplatten

Genre : Deep-techno trancey

Note : 6/10

On pensait la techno trancey morte et enterrée depuis 2 ans et la mise en sommeil artistique de Border Community, qui n’a rien sorti de vraiment concluant depuis Holkham Drones de Luke Abbott. On a eu tort. Depuis l’an dernier, Traum Schallplatten a pris sérieusement la relève. Dominik Eulberg nous a grandement convaincu avec son luxuriant Diorama (chronique ici) et, plus récemment, Max Cooper est venu nous cueillir à froid avec son Egomodal orageux (chronique ici). C’est au tour de Ryan Davis de venir titiller notre enveloppe corporelle via un Particles of Bliss inégal mais possédant son lot d’explosions de dopamine.

Particles of Bliss est un album entièrement voué à la cause d’une techno trancey prompt à vous faire lever les bras au ciel, tel un hippie qui s’ignore. L’album doit énormément, si ce n’est tout, à son triptyque initial. The Enchanted Garden pose avec douceur l’ambiance sous la forme d’une légère comptine au piano. C’est inoffensif au possible afin de vous placer dans un état de réceptivité maximale. Surgit alors ce singulier moment d’apesanteur estival sur Where The Right Things Are. Une mélancolie progressive s’empare du dancefloor et vous vous prenez à rêver d’entendre ce morceau un dimanche matin, les pieds dans le sable, le soleil de face. Beluga vient enfin souffler le chaud et le froid. La docilité des nappes inaugurales laisse place, au détour d’un vulgaire kick, à une bête indomptable. Malgré l’apparente facilité de ces titres et le pouvoir d’attraction immédiat, cela reste imparable d’efficacité.

Mais la suite n’arrivera jamais à tenir la cadence. La faute à trop de garde-fous. En effet, Sebastian Waack, de son vrai nom, ne lâche jamais suffisamment ses morceaux. Alors qu’on espère atteindre le nirvana via des montées et des explosions redoutables, on doit se contenter d’un enchaînement de tracks certes loin d’être désagréables mais un peu trop prévisibles. Mais ce qui dérange le plus, c’est cette compression sonore nuisant à l’impact (au hasard : Eyes Wide Open). En effet, l’enrobage épais entourant la basse se trouve annihilé par une volonté de tout aplatir. La conséquence est sans appel puisque l’identité sonore qui émane de l’album perd vite de son potentiel d’attraction tant les morceaux ont tendance à se répéter. La lassitude finit par pointer le bout de son nez et il est désormais trop tard pour tout rattraper.

Particles of Bliss est un album de deep-techno trancey loin d’être indigent mais qui risque malheureusement d’être rapidement oublié. C’est regrettable tant on attendait plus de la part de Ryan Davis.

par B2B

Sortie : avril 2012

Label : Kvitnu

Genre : IDM, Indus, Noise

Note : 8,5/10

Il y a à boire et à manger sur le netlabel Section 27. Parmi les éternels disciples de Autechre, un tri est toujours nécessaire. Même si je suis un très grand fan de Altered:Carbon (beaucoup moins de Mitoma), j'ai toujours eu beaucoup de mal à me satisfaire de cette offre certes gratuite, mais finalement trop pléthorique pour suivre attentivement et rester captivé par toutes les sorties proposées. L'ukrainien Alexander Gladun, ou Dunaewsky69, multi-instrumentiste et presque déjà vétéran d'une confidentielle scène grindcore, fait partie de ceux qu'il ne faut absolument pas rater. Véritable bourreau de travail, il voue une passion sans bornes au jazz et à la noise music dans son ensemble. On ne compte plus ses contributions obscures et ses tracks balancées un peu partout. Alors pourquoi en parler seulement maintenant ? Parce que son dernier EP en date, Termination Voice, est présenté par Kvitnu, jeune et sérieux label qui prend une ampleur depuis deux ans qui ne semble connaître aucune limite. Leur mélange d'IDM, de noise et de techno claustrophobique commence à récolter un grand nombre de succès. Avec le duo Plaster (nan mais Platforms quoi...), dont tout le monde parle depuis un an, mais surtout depuis que les portugais de Sturqen ont reçu le Qwartz Electronic Music Award à Paris l'année dernière. C'est donc la première, et sûrement pas la dernière fois qu'on vous parle de Dunaewsky69 et du label Kvitnu. 

Trois titres. Pas plus. Pour se situer déjà bien au delà des promesses et du simple potentiel.

L'ukrainien emprunte des trajectoires et des schémas improbables, bien loin de ses premières sources d'influence, ne donnant à ses superpositions rythmiques et à son approche claustro de la mélodie aucune véritable logique, si ce n'est la sienne. Même si le travail autour de la rythmique (plus particulièrement ses convulsions) est ce qui heurte et impressionne en premier, la toile de fond, est aussi vertigineuse qu'elle est insondable.

L'ukrainien pourrait nous dire qu'il a enfermé le beat pendant des années dans une boite noire qu'on voudrait bien le croire, tant les réactions de ce dernier semblent sauvages et imprévisibles. Comme sur l'ouverture Termination Voice, où au milieu des boucles de batteries naturelles et de l'amoncellement des textures industrielles surgit une infime masse, habitée par la colère de l'émancipation et par l'infection caractérisée, prête à tout parasiter pour annuler la notion de code et de réaction en chaîne. Comme quand à 7'30, un probable steel drum (ou un xylo chelou) vient poindre le nez pour se foutre de nos gueules armé d'un sourire sournois, face à nous qui ne sommes obsédés que par l'évolution vers la chute logique de ce morceau apocalyptique.

L'aspect massif et le sentiment de progression infectieuse sur Catapult résonnerait presque comme convenue et anecdotique après un tel choc. Ce n'est que bien plus tard, après un nombre important d'écoutes, qu'on comprendra réellement (ou pas d'ailleurs) que les violents blasts et les effusions synthétiques préparaient la véritable fuite de plutonium.

C'est probablement sur Spatium que ce fameux beat se montrera le plus véloce, grouillant et le plus varié dans sa texture. Un peu comme un virus carnassier prêt à fondre sur tout ce qui ose vivre dans un laboratoire souterrain. La bestiole est difficile à rassasier si on en croit les couinements et les cris "harsh" des résidus organiques. Y a des moments comme ça où les lasers sont quand même bienvenus pour déchirer la nuit de cristal. On n'entame pas de révolution à l'arme blanche. C'est définitivement sur ce titre que la maîtrise de l'humain derrière les synthés et les bécanes sera la plus impressionnante. Trois titres comme ça c'est presque frustrant il faut bien l'avouer. Mais voilà qui aura le don de susciter impatience et excitation face à l'envie d'en bouffer plus.

Avec ce format court, Dunaewsky69 et le label Kvitnu nous rappelle que leurs sons font partie des trucs à découvrir absolument quand on s'intéresse ne serait-ce qu'un petit peu à l'IDM en 2012. Ils rappellent aussi aux néophytes en la matière (et dans toutes les autres d'ailleurs) que si la musique ne doit définitivement pas être intellectualisée, elle est à prendre au sérieux. Car ceux qui veulent apprivoiser la jungle ne voient que trop peu souvent venir les coups des grands fauves.

par Ed Loxapac

Sortie : Mai 2012

Label : Self Release

Genre : IDM, Glitch, Post-Rock, Ambient

Note : 7/10

Vous souvenez vous de Candle Nine ? Celui qui fut l'une des plus belles promesses du label Tympanik avec son premier et excellent album The Muse In The Machine (ici). Le résident de Chicago Steven Stefaniak a depuis partagé la scène avec des gens comme Millipede et certains autres artistes de la scène post-industrielle. Fan de la première heure des travaux de Gridlock ou Haujobb, il lorgne aussi du côté de la douceur et du post-rock d'un autre label américain : n5md. On l'a également aperçu sur bon nombre de compilations, accompagnés par d'autres fers de lance de cette fameuse scène, comme sur When Light's Drillin The Haze, compilée par nos soins et toujours disponible ici. De son propre aveu, le EP Both Shadow and Substance est une compilation de demos et de titres non retenus pour l'album à venir. Une indication de ne pas s'attendre à quelque chose d'extraordinaire ? Jugeons plutôt sur pièces.

Candle Nine a changé. Même si en lui réside encore probablement plus que des vestiges de celui qui aimait singé le dubstep dans ce qu'il a de plus avilissant et postait ensuite sur youtube la video de ses exploits wobblisés. Exit aussi le breakcore gentiment violent et gratuit de Penumbra, l'IDM hachée, véloce et poétique de Raison d'Etre et Wintermute. L'humble utilisation du piano, parfois simpliste mais définitivement entêtante qu'on avait trouvé sur Sketched On Canvas est par contre encore bien présente. Mais elle prend ici une toute autre dimension. Car si Both Shadow & Substance donne les réponses à nos questions sur ce qu'on peut attendre de son prochain album (c'est son principal intérêt, entendons nous bien), la genèse de son nouveau style se trouve dans le titre fswl, utilisé pour l'excellente compilation Nothing Left For Us du netlabel Abstrakt Reflections.

Dans les envolées de ses nappes stellaires, dans sa profondeur ambient et spatiale, mais aussi dans quelque chose de bien plus électrique. Car Steven est également un féru de guitares, dans ce qu'elles ont de plus beau dans leur tension, et parfois même de plus bruitiste. Si The Four Of Us Are Dying sera le splendide témoin de l'influence non négligeable des premières heures révélées du shoegaze (My Bloody Valentine en tête), c'est surtout à mon humble avis du côté de Lights Out Asia que l'ensemble du format court puise sa principale influence. Le trio réduit en duo depuis cette année est le véritable porte étendard de n5md, son post-rock très ambient et spatial a su s'émanciper des sensations parfois trop émotionnelles chères au label. C'est probablement sur I Am The Night - Color Me Black (et de ce fameux piano cité plus haut) que l'influence probable est la plus palpable.

Ne vous y trompez pas, Candle Nine a comme tout un chacun son lot d'influences, mais ne sombre jamais dans le copycat. Le beat et le glitch sont toujours là, dans ce qu'il ont de plus tassé et imprévisible. Tant et tellement que certains glissements rythmiques relèvent parfois du dérapage pas toujours très propre (surtout sur Number 12 Looks Just Like You). On regrettera peut-être également la trop grande simplicité (linéarité ?) rythmique d'un pourtant pas désagréable I Sing The Body Electric.

Mais comme dit plus haut, la principale ambition de ce EP est surtout de tracer le sentier futur. Même si effectivement, certains titres ne sont peut-être pas assez aboutis pour transcender un album, ils sont emplis de splendides promesses. Même si il est encore un peu tôt pour clamer que l'humble et atypique Candle Nine a brillamment transformé l'essai de sa mutation, on attend aujourd'hui avec la plus grande impatience la sortie de son nouvel album chez Tympanik. Pour ceux qui voudraient se faire leur propre idée, les quatre titres sont écoutables (et en vente) ici.

par Ed Loxapac

Sortie : Avril 2012

Label : Pingipung

Genre : downtempo, electronica, percussions, minimal

Note : 7,5/10

Orienté principalement vers l'accompagnement d'un visuel, du spectacle vivant au cinéma, l'allemand Sven Kacirek sort néanmoins son troisième album sur le label de Hamburg Pingipung. Sven travaille avec beaucoup d'instruments à percussions qu'il couple avec des sons électroniques minimalistes. Certains lecteurs avaient peut-être déjà fait un tour du côté de son modeste album Kenya Session, chroniqué ici.

L'album commence pourtant avec un morceau dont l'intitulé intrigue, This album is not. Et le champ lexical du mystère plane réellement tout le long de l'album, avec comme ressenti principal un thème gravitant autour de la décadence de l'enfance. Les outils musicaux sont restreints. Piano, xylophone, et percussions orientales se répondent tour à tour. L'artiste compose sa faune et sa flore, nous laissant baigné dans cette ambiance forestière où le pivert hyperactif répond à la chouette somnolente. La tension mélancolique de la musique est infuse et constante. On ressent un amour torturé, et pourtant les titres continuent à déconstruire l’œuvre, « It is not about love » se nomme le troisième morceau. Le chef d’œuvre similaire de Dictaphone est malheureusement déjà passé par là, et je pense que la comparaison à vraiment lieu d'être, bien que Sven Kacirek à l'air de composer une œuvre globale depuis son premier album, lui qui cherche toujours à repousser un peu plus loin ses compositions centrées véritablement sur les percussions. Le voyage s'arrête à un moment où à un autre, le tout se révèle simplement mignon, en manque de punch, bien que l'artiste doit revendiqué cette redondance. La véritable force du musicien réside dans ses fourmillements de sons minimalistes qui s'entrecroisent pour former un tout mélodique. Je reste sur ma fin, j'ai l'impression que l'album à encore tout à m'apporter. Pourtant cet album est assez facile d'accès, trivial mais avec une douleur de vivre. C'est peut-être un album éphémère qui est impossible à justifié, plus abstrait qu'il ne se dévoile. Attendez-vous à ne pas voir le temps passer. Ce Scarlet Pitch Dreams est un peu comme le gentil copain dont on a pitié, ceui dont l'humour ironique et léger est un bouclier qui sert à cacher son mal de vivre. Et finalement après avoir écrit cette chronique, je me rends compte que la faute est personnelle. Si tous ces mots se révélaient simplement inutiles ? Es-ce qu'il me faut écouter cet album malade en boucle pour que celui-ci me contamine ?

Parfois fade, parfois exceptionnelle, l'appréciation du dernier Sven Kacirek peut changer radicalement d'une écoute à une autre. On peut cependant noter la singularité des compositions et il sera toujours intéressant de revenir à la modestie de l'artiste de temps à autre. C'est tout à fait le genre d'album qui est aimé par les adorateurs de Philipp Glass, et que l'on peut commenter aisément sans prétention par cette phrase fastidieuse : « Ça c'est de la musique ». C'est bientôt l'été mais remettez vos cols roulés, l'hibernation n'est pas finie, cet album vous occupera chez vous les journées de lassitude.

par Pneu

Sortie : avril 2012

Label : Hymen

Genre : Indus, Dubstep, D&B, Breakbeat

Note : 7,5/10

Avant d'être pendant presque dix ans une des égéries du label Ad Noiseam, Cdatakill, ou Zak Roberts, fut un activiste reconnu de la scène hardcore. C'est sans doute là qu'il a appris à pulvériser ainsi le beat, à concocter ses mixtures harsh indus bien senties. Presque dix ans après son double Paradise, il rejoint la maison Hymen, crémerie qui accueille déjà régulièrement Ginormous, Nebulo, Hecq, Lusine et Architect, et à qui ont doit déjà cette année l'excellent Pressentism de Frank Riggio (ici). L'artwork est comme souvent signé de la main de Salt. Cet ange exterminateur apparent ne semble pas habité par de bonnes intentions. Boucherie, or not ?

A la fin de la première écoute, on regrettera peut-être (encore) que nul ne résiste aux enrobages dubstep pour déployer vélocité, puissance et efficacité. Jonathan Davis (le chanteur abusé de Korn) avait prévenu un certain auditoire, que lui et son pote Skrillex (oui oui, que du beau linge) avaient incarné le dubstep bien avant qu'il ne soit reconnu. Si le père Davis n'en est pas à son premier excès mégalo et infondé, la précédente tirade vaut beaucoup plus cher quand on pense au cas de Cdatakill. Car on retrouvait déjà certains de ces ornements sur ses premiers albums. Voilà pourquoi les fervents donneurs d'étiquettes devraient se réjouir en qualifiant cet album de doomstep.

Je ne ferais pas grande révélation en rappelant que je conchie le dubstep presque autant que le neo metal. Pourtant, quand certains mecs avec un background musical plus large et plus sérieux s'y essaient, ça peut quand même avoir une sacrée gueule (comme Hecq avec son Avenger (ici), déjà sorti chez Hymen l'an dernier). Dans le cas précis, on peut même dire que ça surbute des ombrelles, car enfermer Cdatakill dans cette vilaine case est plus que réducteur. Ses principales forces sur Battleworn ? Faire cohabiter des sphères et des genres dont l'union évoque l'improbable.

Comme sur l'annihilateur et diablement efficace Dirty Up Your Mind, dont la drum'n bass semble avoir appris autant de la double pédale du metal que des sentiers club. Ce sera encore plus audible sur le non moins puissant The World Is Coming To Another End en fin d'album, agrémenté de riffs gras et huileux comme la moustache d'un mécanicien alsacien.

Si il abuse aussi de l'excellence pour ce qui est du mix et de la production, il n'est pas manchot dans sa manière d'intégrer les samples. Commençons tout d'abord par saluer l'apport de la régulière et spectrale apparition de cette voix féminine chaude et voilée, sur Angel Carcass, Battleworn, Scarless et I Swear. Impossible de faire l'impasse sur l'hommage, et re-lecture encore plus menaçante du God Will Cut You Down de Johnny Cash, pièce maîtresse de l'opus avec Dirty Up Your Mind.

Il y a par contre certains moments où on retrouve tous les poncifs exécrables du genre, qui raviront les fans du "plus c'est gros, plus ça passe". Dans certains enchevêtrements rythmiques, et surtout dans l'intérêt plus que discutable des remixes ajoutés. Je ne mentionnerais même pas l'intégration du skank reggae lyophilisé, les accents vaguement dub qui pullulent sur le pourtant très bon I Swear, annonciateur d'un futur massacre en cathédrale luthérienne.

Mais malgré les légères remontrances qui jaillissent de ma carcasse d'aigri (hater, et fier avec ça), Battleworn est un album tout à fait réussi, qui ravira les fans de la première heure de Cdatakill et ceux qui aiment qu'on vérole la bass music d'une certaine virilité. Voilà qui devrait quand même réunir un bon paquet de gens.

par Ed Loxapac

Sortie : 21 mai 2012

Label : Dial

Genre : Krautrock, ambient

Note : 5,5/10

Les panthéistes sont à l’affut du moindre battement de cils de leur totem, Pantha Du Prince. Imaginez l’émulation collective lorsque ce dernier a annoncé la mise en place d’un nouveau projet. Dès lors, il ne restait plus qu’à spéculer sur l’entité Ursprung.

Quelques mois après le teasing de l’allemand, il est enfin temps d’y voir plus clair. Pour être sincère, cela fait déjà un petit moment que l’album tourne chez moi, j’ai donc eu le temps de tranquillement l’écouter et l’étudier. Et le constat est pour le moins mitigé.

Avant tout chose, il est nécessaire de définir les contours d’Ursprung. Il s’agit de la collaboration entre Hendrik Weber, le fameux Pantha, auteur des sublimes albums techno This Bliss et Black Noise (chronique ici), et Stephan Abry, membre du groupe électro-expérimental Workshop. Nos deux compères se fréquentent depuis quelques printemps et l’envie de mêler leurs influences s’est révélée tellement forte que la maison Dial a décidé de sortir leurs expérimentations.

Exit la techno de Pantha Du Prince et les élucubrations électroniques de Stephan Abry. Ursprung fait place à une krautrock atmosphérique. Etant moi-même plutôt réceptif à ce genre, je suis donc parti avec un apriori des plus positifs. Et d’ailleurs, ce n’est pas le morceau d’ouverture qui me contredira. Mummenschanz étale son aura sur 10 minutes élégantes. On y retrouve la basse enveloppante et si particulière de Pantha. Le morceau se structure finement, prend progressivement place en nous, grâce à la légère guitare électrique de Stephan. Et quand la basse prend l’ascendant, c’est pour mieux nous emporter dans son mélancolique sillage. Une telle ouverture ne pouvait que présager une suite élégiaque. Il n’en sera rien.

Le duo se complait directement dans un krautrock chiant et abscon, flirtant de trop près avec la branlette superfétatoire où une guitare famélique copule maladroitement avec des bidouillages électroniques anecdotiques. Une grande majorité des morceaux n’a strictement rien à raconter et ne possède aucune âme. On imagine aisément nos deux potes en train de kiffer leurs créations sans aucun recul. Même lorsque Ursprung se prend pour les séminaux Durutti Column sur le titre Lizzy, ça tombe à l’eau devant le manque d’ambition. On pense alors à un autre récent semi-caprice de star en la personne de The Field, auteur du projet instrumental indolore, Loops Of Your Heart (chronique ici).

Pourtant, Ursprung arrivera par deux fois à me sortir de ma torpeur. Premièrement avec la lente ballade plaintive de Exodus Now (joliment clipé) et ensuite avec l’immédiat et quasi-cinématographique Kalte Eiche. Est-ce suffisant pour autant ? Loin de là.

Pantha Du Prince et Stephan Abry, ainsi que le label Dial, déçoivent avec ce Ursprung tristement inoffensif et ne réussissant qu’à provoquer l’indifférence. C’est bien dommage surtout lorsque l’on imagine à quel point cet album aurait pu être captivant si l’on se concentre uniquement sur les quelques titres stimulateurs de rêveries désincarnées.

par B2B

Sortie : avril 2012

Label : Denovali

Genre : Doom Jazz, Experimental

Note : 8/10

Versant plus doom et plus expérimental du Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, The Mount Fuji Doomjazz Corporation est toujours emmené par Jason Kohnen (Bong-Ra) et son comparse Gideon Kiers. Si on ne compte plus les projets du blond dreadlocké (Wormskull, Death Storm...), on ne prend pas de grand risque en affirmant que celui qui nous occupe aujourd'hui est celui qui déchaîne le plus les passions, de par sa définitive vocation live et spontanée. Planet Mu, Ad Noiseam, puis enfin la crémerie plus que recommandable Denovali, autant de labels majeurs sur lesquels cette formation opaque et cosmopolite diffuse son free-doom-jazz narcotique. De même que pour TKDE, la place des intervenantes féminines est plus que prépondérante, même si le violoncelle de Nina Hitz est cette fois-ci absent. Avec en tête, le trombone de Hilary Jeffery, accompagné par la voix pure de Charlotte Cegarra et le violon de Sarah Anderson cher aux fans de Chrome Hoof. Enregistré en live à Moscou, le quatrième album de la formation, Egor, est disponible depuis un peu plus d'un mois chez Denovali.

On en connaît qui ont dû prendre sévèrement cher à Moscou. Assister à un concert comme celui-ci relève de l'expérience, sonique et psychédélique. Car ce qui impressionne toujours avant tout chez TMFDC, c'est l'état d'urgence qui s'expulse de leur musique, ainsi que cet éternel besoin de se mettre en danger, de sortir du confort du studio. Voilà pourquoi à l'heure même où j'écris ses quelques lignes, le combo continue de sillonner les routes de la Russie.

Il y a d'ailleurs dans Ergor des symboles qui ne tromperont pas la ferveur du peuple russe. Ainsi que des hommages directs à l'Europe de l'Est, dans la mélancolie des violons dignes de comptines dramatiques ashkenazes, qui auront l'intelligence et la bienséance de ne pas résonner comme des covers de Mein Yddishe Mame ou de la B.O de la Liste de Schindler.

Le groupe peut se permettre d'introduire son set en jouant à bas volume pendant près de dix minutes, plantant leur décor aussi plombant qu'orchestral. Puis, le trombone de miss Jeffery s'accentue jusqu'à affirmer la sentence, tandis que la voix de cantatrice de Dame Charlotte virevolte parmi les bidouillages hurlants de Sir Kiers. Pendant plus d'un quart d'heure, Lift Mashiny dévoilera dans toute sa progression les premiers contours de l'oeuvre.

Même si ça peut faire vomir certains puristes, la formation s'approche de plus en plus du jazz, même si l'enfermer dans cette noble mais trop hermétique case relève de la gageure. Alors oui comme dit un certain Nicolas de Berlin qui les connaît bien, "leur musique a gagné en consistance jazz ce qu'elle a perdu dans ses aspects les plus doom". Mais il y a toujours dans les fresques étalées, un reliquat post-rock, drone, ambient et même quelque chose qui vient du sound design. J'en veux pour preuve, les expérimentations toujours plus létales et franches de Gideon Kiers, qui sont définitivement avec la guitare de Eelco Bosman et les basses de Kohnen, les points d'armatures principaux de ce squelette complexe, beau et malade.

Voilà pourquoi, Stuchat' Kulakom Lestnitsa et Kosmonavt Rasputina (presque 40 minutes à eux deux) sont les pièces maîtresses de l'album. Parce qu'elles représentent cette synthèse brute et violente, aux confins de l'opéra post-rock et de la musique improvisée. La complémentarité des différents éléments est impressionnante, cette divine imbrication liante est la preuve des années passées à jouer ensemble et à écumer les scènes du monte entier. La fusion, voilà un mot qui ne veut depuis longtemps plus dire grand chose, mais qui apparaît définitivement comme le terme le plus adapté pour déterminer l'Ensemble. Ceux qui auront la bonne idée d'acquérir l'album n'auront certes pas de visuel associé, mais la retranscription du live est si bien réalisée que l'expérience psychédélique ne perdra que peu de sa substance. Et dieu sait que les albums live relèvent parfois de l'arnaque.

Savourons donc l'écrin ici offert (vendu en fait). Car même si le titre final connaît quelques longueurs, ses dernières mesures révèlent quelques surprises qui attestent que la musique du combo est définitivement à prendre au sérieux, même si eux ne semblent animés que par la passion et la spontanéité. Un groupe à voir en live avant ou après la mort.

par Ed Loxapac

Sortie : 21 Mai 2012

Label : Warp

Genre : IDM bariolée, Drill'n bass édulcorée

Note : 4,5/10

Tom Jenkinson est une légende. Un de ceux qui a assis la réputation et la créativité du label Warp et de l'IDM avec Aphex Twin, Boards Of Canada, Autechre ou Plaid dans une moindre mesure. Bassiste, batteur et pianiste, Squarepusher voue un véritable culte au jazz, plus particulièrement à celui de Miles Davis, Jaco Pastorius ou Joe Zawinul. Même si ses talents de musicien naturel étaient au dessus de la moyenne, il a rapidement compris que les limites de la technique musicale pure pouvaient être dépassées, grâce aux bécanes analogiques, et au hardware encore un peu plus tard. Car franchement, il y a fort à parier que tout comme AFX, il n'en a jamais rien eu à branler de ce fameux concept qu'est l'IDM. Même si ils en sont probablement deux des plus importants artisans. Son truc à lui c'est le jazz, comme l'acid est définitivement le truc du Richard. C'est d'ailleurs ce genre, que beaucoup décrivent comme éternel, qui fait la liaison entre les deux virtuoses. De cette amitié réelle accouchera Feed Me Weird Things sur Rephlex, album mythique qui assoira définitivement la filiation naturelle entre le jazz et une certaine idée de la D&B.

C'est ensuite la période bénie, celle de l'épopée héroïque de Warp, entre 1997 et 2001. Citons donc Hard Normal Daddy et Burningn'n Tree comme deux autres indispensables de la discographie du bonhomme. Certains puristes avérés décrivent la sortie de Go Plastic comme le début de la compromission vis à vis des racines jazz. En atteste My Red Hot Car, titre dancefloor composé par Jenkinson pour se foutre un peu de la gueule d'un de ses potes, qui jugeait sa musique comme trop cérébrale. Il n'empêche que cet album contient des tueries vrillées et ludiques absolues. Tout comme le bruitiste et probablement trop en avance sur son temps Ultravisitor.

C'est ensuite que les emmerdes (et l'esbroufe ?) commencent. Avec le live "foutage de gueule" de Do You Know Squarepusher, le ludique mais trop funky Hello Everything, l'anémique et pasteurisé Just A Souvenir, la branlette de Solo Electric Bass et le projet inaudible d'infusion R&B/909 Shobaleader One. Ufabulum est annoncé comme un album qui réhabilite le son Squarepusher d'antan. Ceux qui le dise sont des gens crédibles et de bonne compagnie. Voyons voir si notre indécrottable aigritude saura taire sa bile.

Reconnaissons tout de suite que si Ufabulum avait été l'oeuvre d'un illustre inconnu d'Europe de l'est, nous aurions salué le potentiel technique incroyable ici étalé. Nous l'avons fait à maintes reprises, pour des gens qui n'ont d'ailleurs que trop rarement transformé l'essai. Seulement voilà, Ufabulum est l'oeuvre d'un dieu vivant. Les bleeps du plutôt pas si pourri 4001 ne feront donc que peu de temps illusion, car Ufabulum trahit un triste vide sur le plan de l'originalité et de la composition. Encore plus quand on ressort le vieux matos légendaire pour lui donner une tonalité plus cliché qu'autre chose. Je parle bien sûr de l'omniprésence de certains synthétiseurs mythiques, qui font ici certes bien joli dans le casting, mais dont le jeu n'est finalement digne que de la série B. Inutile donc après ça de s'acharner à descendre le criard et bien trop sucré Unreal Square et de tout ce qui suivra jusqu'au pauvrissime Red In Blue, qui ressemble plus à un interlude raté et étiré qu'à autre chose. Reconnaissons tout de même qu'il y a quelque chose de naïf et rafraîchissant dans Stadium Ice, quelque chose qui rappelle un peu certains titres de Hello Everything. Maigre consolation car c'est définitivement ça le principal problème de ce nouvel opus. Plusieurs tracks rappellent de loin le génie que fut Squarepusher. Parce qu'il renoue avec les sons bleepiens et une certaine déstructuration. C'est un peu le principe de la caricature, que de grossir avec excès les traits de l'original. Nous faire croire que c'est comparable, ça relève par contre de la malhonnêteté, ou à moindre échelle, à de la publicité mensongère.

Tout ce qui paraissait autrefois maîtrisé, même dans la frénésie la plus débridée, résonne ici comme des brouillons de faces B, sortis des fonds d'un disque dur pour tenter de continuer à exister. Un titre nommé The Mettalurgist méritait donc forcément mieux que cet amoncellement de régurgitations, de gargarismes digitales presque empruntés à une french touch (sans majuscules) 2.0 en errance. Voilà pourquoi Drax 2 est particulièrement réjouissant. Parce qu'il prend son temps pour installer son infection dans la cathédrale, parce qu'il est captivant et qu'il laisse planer le doute sur l'issue du morceau, à l'aide de griffures nettes et sans bavures. Ne boudons donc pas notre plaisir quand à la quatrième minute la rythmique se déchaîne enfin comme il se doit. Avec ce qu'il faut de folie dans la maîtrise pour mettre tout le monde d'accord. Mon constat à propos de Dark Steering sera plus nuancé même si in fine, il peut jouir de la même efficacité. Je n'arrive pas à avoir d'avis définitif à son propos. C'est surtout que je ne parviens pas à le détester, même si il le mériterait peut-être, avec son débarquement de beats taillés dans le laser de jedi et ces bolides du futur tunnées à la portugaise. Idem pour 303 Scopem Hard, qui même si il n'est pas plus impressionnant que ça, démontre que Jenkinson a retrouvé les modes d'emploi de l'analogique. De tels hommages se trouvent un peu partout sur l'album, 808, 909, 303, autant de modèles de bécanes des années 80 qui peuvent faire rêver quand on sait les dompter. La dédicace à une certaine acidité sur le final Ecstatic Shock, sera un brin trop convenue pour s'avérer de qualité. Dommage. J'aurais voulu y croire.

Vous l'aurez donc compris, il n'y a pas de temps à perdre avec ce nouvel album de Squarepusher, sauf si c'est pour se remémorer à d'épars moments la magie du passé. Pour ça, il vaut mieux investir dans ses glorieux albums précédemment cités, vendus actuellement à un prix pas trop abusif. Si Squarepusher n'en finit plus de décevoir, il demeure malgré tout un mythe. L'euphorie autour de ce nouvel album a de quoi faire sourire, ou pleurer. Vous qui nous accuser souvent de prétendre détenir une certaine vérité, autorisez nous à vous la faire partager. Cet album est quand même, un peu à chier.

par Ed Loxapac