Sortie : avril 2012

Label : Denovali

Genre : Ambient, Jazz

Note : 9/10

Un soir d'hiver 2008, je tombais sur l'intriguant artwork du premier opus de Bersarin Quartett. Donc bien avant que Denovali ne décide de le rééditer. Le label Lidar avait déjà sorti préalablement un opus de Jasper TX. Il n'en fallut pas plus pour m'encourager à me procurer l'album le plus rapidement possible. Il y a des albums comme ça qui terrassent. Qui ne laisse aucune chance à l'auditeur. Qui le pousse à savoir absolument qui se cache derrière ce fameux Quartett. La surprise est d'autant plus grande lorsqu'on apprend que seul un homme se cache derrière ce projet : l'allemand Thomas Bücker. On savait déjà depuis longtemps qu'on peut faire des trucs magiques avec les softwares et les plug-in. Mais donner une telle couleur à l'acoustique. Rendre un ensemble aussi orchestral armé d'un simple laptop, ça non. Vous aurez d'ores et déjà compris que Bersarin Quartett a conçu un album magnifique, que les plus connus Cinematic Orchestra n'auraient même pas pu imaginer, même avec la plus grande volonté du monde. Quand Denovali annonça la sortie d'un deuxième album, je me suis immédiatement repassé Oktober et Mehr Als Alles Andere, ouverture et dénouement d'un objet musical non identifié. Un véritable chef d'oeuvre des années 2000. Les premières écoutes de II s'envisagent donc avec l'émotion d'un enfant déballant ses cadeaux, avec l'excitation unique et naïve de celui qui ne sait pas ce qu'il va trouver.

Des bourrasques stellaires de l'introduction de Niemals Zurück émergent ce glitch, ce beat, ces quelques fragments de batteries insaisissables qu'on s'était déjà pris dans la gueule il y a plus de trois ans. Cette inexplicable impression que cette musique fut conçue en dehors du monde des hommes. Puis vient la désarmante approche onirique poussée à son paroxysme, qui fait du son de Bersarin Quartett un joyau idéal pour des écoutes domestiques et solitaires. L'étiquetage ou la dénomination résonne ici encore plus vaine que d'habitude. Le jazz, comme le post-rock, ne sont ici que pour former une entité ambient propre.

Comment ne pas succomber à cet aspect si limpide et à la fois si "heavy", quand il révèle tant de romantisme feutré, d'équilibre fragile entre violence subtilement contenue et volupté candide ? Der Mond, Der Schnee und Du et Im Lichte Des Anderen sont probablement les exemple les plus parlants. Les vents et les crins semblent étouffés par les nappes mais profitent d'arrangements très particuliers, qui renforcent ce jalousé mystère autour du travail de composition de l'allemand. Cette impression d'osciller entre terre et ciel trouvera son apogée sur le merveilleux Einsam Wandeln Still Im Sternensaal, dont les crins rappellent étrangement le Sarà Per Voi de Teho Teardo. Un malin, Dieu, qui nous a ouvert l'espace sans nous donner des ailes... Voilà ce qu'on peut penser à l'écoute du vertigineux Im Glanze Der Kometen. Mais parce que le rythme est dans le temps ce que la symétrie est dans l'espace, Alles Ist Ein Wunder libère le glitch et de trop longtemps captives rythmiques. L'étrange et inquiétant Rot und Schwarz connait même une furtive échappée techno aussi filandreuse qu'étouffée.

Je n'ai pas peur qu'ici et maintenant, se dévoilent le caractère excessif de mes rêves. Voilà ce que semblent dirent les trois derniers titres, d'où s'échappent des effluves de repos d'après big bang ou des secrets de la création du monde.

Bersarin Quartett réalise le tour de force de donner une suite équilibrée et cohérente à son chef d'oeuvre éponyme. Si II impressionne dès les premières écoutes, il révélera dans le temps des contours nouveaux à chaque fois plus évocateurs en fonction du contexte d'écoute. Voici donc une musique hybride et inclassable, qui ravira les aventuriers de tout bord. Il paraît que Brücker sait aussi s'accompagner de trois compères lors des lives, de quoi fournir des rêves fous, dignes des aspects les plus stoner de Bohren und der Club Of Gore.

par Ed Loxapac

Sortie : 24 Avril 2012

Label : Fauxpas Musik

Genre : Downtempo, ambient-dubstep

Note : 7,5/10

Celestial Light Beings débute par un déluge, une avalanche sonore. Sirènes, trains, vrombissements. C’est toute une ville que vous ingurgitez d’une seule bouchée. Mais immédiatement, ce trop-plein se stoppe de lui-même pour laisser place à un piano, suivi d’une nappe ambient et d’une rythmique downtempo. L’échappatoire est immédiate, vous prenez place dans l’univers de Desolate.

Le berlinois a beau nous ressortir exactement les mêmes ficelles que sur son précédent opus, The Invisible Insurrection (chroniquée ici), on accepte le voyage avec un bonheur empli de doutes. Car la musique de l’Allemand Sven Weisemann s’adresse avant tout aux solitaires, à ceux qui trouvent le repos la nuit, lorsque la ville s’endort, que le niveau sonore baisse progressivement pour laisser place à un fin magma insondable.

Celestial Light Beings n’a de dubstep que l’enrobage. Parlons plutôt de downtempo méditatif, d’ambient nocturne. Le potentiel cinématographique d’une telle œuvre est indéniable. Il faut dire que Desolate abuse à bon escient de cordes déchirantes et d’un piano évocateur. Les nappes entourant l’ensemble ne sont plus qu’un écrin accueillant les instrumentations acoustiques. Une fois de plus, le parallèle avec Burial s’impose, notamment dans la manière d’utiliser les voix fantomatiques et traînantes et surtout dans cette façon d’imposer par la douceur une rythmique puisant sa force dans des sonorités veloutées.

Les 10 morceaux ne font pas que traverser vos oreilles, ils transpercent aussi votre cœur, vous laissant parfois aux bords des larmes comme sur le sublime Desolation d’une simplicité désarmante. Desolate passe son temps à nous envouter, à provoquer nos songes. Ses compositions demeurent énigmatiques car se basant sur des sonorités surgissant de n’importe où pour mieux disparaître la seconde suivante. On vit une sorte de rêve éveillée et l’on s’y love avec plaisir, les yeux fermés.

Et quand je vous affirme que Celestial Light Beings est un album urbain, soyez en certain tant le travail sur la texture sonore donne l’impression de déambuler  dans un dédale de ruelles sombres. Mais là où la musique de Desolate flirte avec la prouesse c’est dans son paradoxe, dans sa façon de transformer l’instabilité en sérénité.

Un souffle continu vous caresse inlassablement la nuque comme pour mieux vous forcer à poursuivre vos pérégrinations. La mélancolie s’immisce lentement en vous pour ne plus vous lâchez. Vous n’êtes plus, vous vivez. Et lorsque que s’achève votre errance, vous n’avez plus qu’une chose à faire, recommencez inlassablement l’expérience en espérant que le soleil ne se lèvera plus jamais.

par B2B

Sortie : mars 2012

Label : Ad Noiseam

Genre : Indus, Pulverised Beats

Note : 8/10

On sait très peu de choses à propos du letton Oyaarss, si ce n'est qu'il a collaboré avec Cloaks, Amenra et qu'il a remixé des pièces plus classiques de son compatriote Peteris Vasks ou du polonais Zbigniew Preisner. Le label berlinois Ad Noiseam, qui refuse la sectorisation mais perpétue un certain sillon viril dubstep, lui donne l'occasion d'accéder à une toute autre visibilité que celle qu'il avait pu s'offrir au moment de son premier effort : Smaida Greizi Nakamiba. Bads est sorti le mois dernier. Il fallait bien quelques semaines pour correctement le digérer.

Outre la profonde musicalité de la langue lettone, Oyaarss propose sur Bads une véritable démonstration de torture infligée au beat. Les lacérations qu'il crée sur ses mélodies arides ont l'intelligence et la sauvagerie de tourner leur lame dans les chaires pour maintenir ouvertes les plaies. L'ajout de jus de citron en compresse ne s'imposait pas forcément, mais pourquoi faire les choses à moitié ? Oyaarss tire son vinaigre saumâtre des raisins de sa propre colère. Les parfums d'infusions de bêtes claquées et l'ambiance délétère transpose l'auditeur en territoire hostile, véritable doom-like où il est possible de défourailler à souhait sur des gargouilles vérolées. Qu'Ad Noiseam dorme tranquille, Anders Behring Breivik ne s'est pas inspiré de Bads pour mener sa purge anti-bolchévique à Utoya-les-bains.

Voilà longtemps qu'on n'avait pas entendu dans ces sphères, un truc aussi gratuitement violent et puissant. Nul doute que le petit Oyaarss fut nourri dès sa plus tendre enfance de metal hurlant et dissonant. Pas le temps de se reposer sur un héritage 4/4 suranné, il puise sa vélocité dans les mécanismes concassés du breakcore et du dubstep. Tout cela n'est pas très subtil, c'est très bien parce que c'est pas du tout le but. Oyaarss guérit les céphalées à coup de parpaings, de fractures et de désorientation rythmique.

Le beat, objet de toute les délectations électroniques, se recroqueville ici dans des postures foetales pour retarder sa chute certaine dans les flammes de la purification, sacrifié sur l'autel de la distorsion. Ce n'est pas un album, c'est une boucherie. L'élément abstrait parviendra fièrement à retenir ses ultimes couinements jusqu'aux assauts sans pitié de Malduguns. Si ce titre écrase littéralement et en toute logique l'ensemble homogène, c'est sans doute parce qu'il fallait bien trouver un germe de soja liant le steack haché au couteau, un point d'orgue dans l'anarchie. Bien sûr tous les autres titres profitent à moindre échéance de ce climat décharné, citons donc Dimba et sa plainte haletante conclue en noise libérée, ou les cauchemardesques 15 pilieni paties ïbas, Rigas ielas blüzs ou Un saule aus is dienvidos. La dernière minute de la fermeture sur Ziemeli révélera même des allures de paix après l'apocalypse. On en sort aussi éreinté que conquis.

Un truc pareil pourrait prendre une dimension supplémentaire en live. Pas sûr que le mec s'y risque, même si le Maschinenfest pourrait en être l'idéale occasion. Boucherie grossière plus que recommandée.

par Ed Loxapac

Sortie : 2 Avril 2012

Label : Traum

Genre : Techno

Note : 7,5/10

Max Cooper est une valeur montante de la sphère techno. Depuis 3 ans, l’anglais nous abreuve de morceaux trancey de plus en plus maitrisés. Pour le moment, le bougre n’a pas encore sorti d’album mais étant donné son côté prolifique, je miserai bien une pièce sur un LP très prochainement. Mais ce qui m’intéresse aujourd’hui, c’est son dernier EP, Egomodal. Un format court de 60 minutes c’est du rarement vu, surtout à l’époque où de nombreux albums peinent à dépasser la demi-heure. Max Cooper reste fidèle à Traum Schallplatten depuis quelques sorties et il a bien raison étant donné la qualité du label abritant notamment Dominik Eulberg, Fairmont ou encore Minilogue.

La techno de Max Cooper possède une identité singulière, à la croisée des chemins entre les productions trancey de Nathan Fake et la douce noirceur de Pantha Du Prince. Autrement dit, vous n’êtes jamais pris au dépourvu, tout est uniquement question de volupté. Pour aboutir à une telle sérénité, Max Cooper s’appuie principalement sur une nature omniprésente. Ainsi, le superbe Autumn Haze se mue en ondée tropicale luxuriante. S’appuyant sur une multitude de petites notes incessantes, il faut attendre sa montée infinie pour apercevoir le soleil. On retrouve cette même approche climatique sur un Raw orageux avec sa masse vrombissante et tremblante (mention spéciale pour le remix tout en tension de Marc Romboy). Et quand il ne convoque pas Zeus, Max Cooper s’en remet à Poséidon. Micron devient alors une enveloppante odyssée sous-marine, portée par le chant des baleines. A mesure que vous vous enfoncez dans les abysses, le morceau déploie son pouvoir d’attraction.

A côté de ces escapades bucoliques, figure l’étrange Simplexity, permettant de découvrir une nouvelle facette de l’anglais. Se composant d’un collage énigmatique au premier abord, le morceau prend sens progressivement avant de complètement vous anesthésier (là encore, mention spéciale pour le remix stellaire et implacable de Rone).

Vous aurez donc compris que Max Cooper est un amoureux de la nature et que son Egomodal EP s’adresse aux hippies venus danser pieds nus sur la plage. L’anglais n’en finit plus d’affirmer son potentiel, il ne lui reste plus qu’à convaincre définitivement avec un long format.

par B2B

Sortie : février 2012

Label : 12k

Genre : Drone, Electro-acoustique, Ambient

Note : 8/10

Les deux Steve, Peters et Roden, sont loin d'être des débutants. Leurs collaborations, ainsi que leurs propres réalisations respectives sont presque inchiffrables. Féru de fields recordings et d'improvisations électro-acoustiques, le quinquagénaire Steve Peters est un membre à part entière du Seattle Phonographers Union. Steve Roden est plus jeune mais un nombre impressionnant de releases est également à mettre à son crédit. Peintre et sculpteur, ses talents de musicien sont le plus souvent au service d'installations plus poussées. Leur rencontre et leur ralliement pour l'occasion au 12k de Taylor Deupree relève de tout sauf du hasard. Not A Leaf Remains As It Was est le fruit de leur enfermement dans un studio de Seattle. Le but était de faire un album, le "comment" et le "avec quoi" ont été décidé sur place, pour notre plus grand plaisir.

Leur collaboration avec la chanteuse Anna Homler datait de 1995. Déjà à l'époque, ils s'étaient dit qu'il serait de bon ton de créer à deux un album avec des parties vocales importantes. Qui devait chanter demeurait la question.

Armés d'un bouquin de poèmes japonais (jisei) qui leur parlait, ils avaient maintenant une base de travail. Le japonais étant une langue qui ne s'improvise que très difficilement, ils allaient devoir se contenter de la phonétique. C'est donc bien des phonèmes nippons qui s'égrainent tout au long de Not A Leaf Remains As It Was, et non pas un dialecte elfique imaginaire.

La musique des deux Steve trouve toute sa profondeur dans ses propres silences. On s'accroche à la moindre réverbération du son, au moindre echo comme à un rameau de bois sauvage pour ne pas basculer dans l'opacité. Rarement le drone n'avait su se parer d'autant de rayons et de souffles si réchauffants. La fresque Winds Through Bleak Timber, aussi riche que minimaliste finalement, en est le parfait exemple illustré. Le "langage" utilisé, contribue forcément à amplifier l'aspect mystérieux de cette vapeur abstraite. De là à considérer ces volutes de voix comme des mantras, il n'y a qu'un pas que je ne franchirais pas. Même si sur Fade Away Within, une dimension monastique est certaine. Les chaînes d'un être en quête de rédemption semblent se traîner.

Il y a tout au long de l'album des apparitions d'objets étranges, du quotidien ou plus ou moins placés intentionnellement sur le sol du studio, qui serviront d'éléments perturbateurs à ces fables sacrées. Frottements de cordes, roulis de conques marines, verres et cristal, carillons. De l'enchevêtrement de saturations parviennent des souffles murmurés rassurants (Water Veins) en ce purgatoire plus paisible qu'un mausolée. Seul Two Or Three Fireflies viendra apporter des notes de pianos infinies et inquiètes ainsi que des sonorités plus inquisitrices à cet ensemble lumineux.

Touché par une grâce et un halo certain, Not A Leaf Remains As It Was fera le bonheur de ceux qui cherchent la paix de l'esprit et de l'âme. La musique expérimentale quand elle sait se montrer accessible et dépouillée, peut renfermer d'iconoclastes trouvailles qui mènent droit au chemin de la volupté. 35 minutes plus que recommandées pour ceux et celles qui souhaitent se noyer dans la lumière d'un drone enchanteur. 

par Ed Loxapac

Sortie : mars 2012

Label : 3six Recordings

Genre : Ambient, Experimental

Note : 8,5/10

Les amateurs d'ambient auront depuis un moment rangé 36 (three-six) du côté des références contemporaines. L'anglais Dennis Huddleston est une sorte de phénomène de productivité créative et solitaire. Depuis 2009, l'homme a sorti quatre albums, trois cassettes et deux maxis en vinyles -  aux artwork sublimes - sur une série à venir de sept. Le tout est publié sur son propre label 3six Recording, dédié uniquement à ses productions. Son dernier Lp en date, Memories In Widescreen (chronique ici) ne représentait pas comme nous l'avions cru l'opus final qui scellait le triptyque d'albums entamé avec Hypersona et Hollow, ses inaltérables chef-d'oeuvres. Après s'être dédié en 2012 à une collaboration avec Black Swan et une réédition de remixes de Bass Communion, c'est avec Lithea que 36 met un terme à sa belle et brumeuse trilogie.

Avec 1h12 pour 18 titres, l'oeuvre est dense. Même si comme à son habitude, Huddleston fait place à de courts interludes, qui modulent les teintes et les impulsions. Attiré semble-t-il par les couleurs primaires, 36 se plait à assortir ses séries d'albums ou de cassettes d'identités visuelles vertes, bleues et rouges. Cet écarlate et dernier volume ne déroge pas à la règle : provoquer l'immersion, totale et introspective. Il y a dans la démarche d'abandonner l'auditeur au coeur d'une mer de nuage à la fois un postulat romantique et une intention de le laisser seul face au néant. 36 a toujours eu le pouvoir de faire vaciller les certitudes rien qu'en intensifiant un drone, de vous submerger de sensations dont la puissance effraie. La mélancolie, c'est la tristesse qui danse bien – a dit quelqu'un. Lithea n'est ainsi que volutes changeants et ondes fugitives. Où Hypersona vibrait d'une sorte d'espiègle tendresse et Hollow semblait délicatement fantomatique, cet album apparaît comme le volet le plus sérieux et le plus grave. Les tintements limpides et l'opalescence des mélodies se sont doucement estompés. Le minimalisme trouble qui habite l'oeuvre de l'Anglais prend ici tout sont sens. Il ne réitère pas l'expérience dépouillée et dronatique de Memories In Widescreen pourtant sa musique a rarement usé de si peu d'éléments pour faire de tel ravages. Rien ne semble jamais dilué et en aucun cas il ne tombe dans la linéarité. Ceci grâce aux rebonds permanent que permettent l'abondance des titres et à l'infiltration de séquences radiophoniques, de bruissements divers et de choeurs spectraux. Les choeurs en question et la mélancolie qu'ils charrient perpétuent cette connexion que je ne peux m'empêcher de faire entre 36 et Burial.  

Les morceaux issus de ses récents maxis, Cocoon, Saphron, Deluge et Reunion, figurent parmi les plus captivants. Tandis que One élève des ponts vers un certain Ourson, le brillant Seance use de la monotonie comme d'un substrat hypnotique, sublimant ce qui demeure l'un des seuls titres cadencé de l'album. Dans son prolongement, Dreamscape et son air diaphane échappé d'une antique boîte à musique illustre tout le sublime des intermèdes 3sixiens. Et Lithea de se refermer sur les 11 minutes d'un drone évoluant crescendo. Another World, ou le bruissement infini aux variations inconscientes mais dont les effets sont viscéraux. 

36 est un artiste qui jamais ne s'éparpille et dont la direction ne saurait être improvisée. Il est impressionnant de constater la maîtrise du bonhomme, tant au plan de la production et des lignes artistiques qu'au niveau du traitement de la matière sonore. Avec son délestage de fioritures et sa force émotionnelle non atténuée, Lithea se range sans les singer aux côtés des illustres albums qui l'on précédé. Perdition préconisée. 

par Manolito

Sortie : avril 2012

Label : Sonic Pieces

Genre : Glitch, Jazz, Modern Classical, Experimental

Note : 9/10

Voilà six ans que le projet Dictaphone était en silence. Depuis Vertigo II, paru sur le désormais peu prolifique label City Centre Offices et qui succédait lui même à M=addiction. Deux albums déjà excellents, mais que bien trop peu ont écouté. Oliver Doerell est certes plus connu pour sa participation aux travaux du duo Swod (dont le dernier album Drei, fut chroniqué ici). Il est accompagné au sein de Dictaphone par Roger Döring, qui y étale ses talents de clarinettiste et de saxophoniste. Le duo est cette fois rejoint par un troisième larron, en la personne de Alex Stolze pour les parties de violons. Comme si cela ne suffisait pas à réunir un casting digne de ce nom, le mastering de l'album est assuré par le désormais reconnu Nils Frahm. C'est le discret mais solide label allemand Sonic Pieces qui est à la commande, lui qui a déjà sorti l'album Wintermusik de Nils Frahm, ainsi que des travaux de Greg Haines, Ryan Teague, Gareth Davis & Machinefabriek ou Hauschka & Hildur Guonadottir. L'élaboration de cet objet limité dans son pressage est résumée ici, pour ceux que ça intéresse.

Poems from a Rooftop tire sa signification de la révolte pacifique iranienne (Insurrection Verte), au moment où le peuple avait trop peur de la répression de la police secrète de Ahmaninejad pour se rendre manifester dans les rues. Ils avaient fait le choix de gagner les toitures des immeubles et des maisons, et de s'y réunir. Cet album est épris d'une liberté folle, et on trouvera ça et là des hommages abstraits à la révolution de la jeunesse persane, outre la dédicace dans le titre qui donne son nom à l'oeuvre. Comme lors de la poignante déclamation de Mariechen Danz sur Rattle, loin d'avoir livré son secret, pourrait y faire abstraitement allusion.

Cet album fait partie de ceux qui bouleversent, jusqu'à ébranler certaines certitudes. Celle d'avoir chercher la perfection et le salut sur l'autel de la geekerie et du laptop. D'avoir cru que l'électronique se suffisait à elle-même au 21ème siècle, et n'avait donc point besoin de s'adjoindre les services d'instruments naturels pour souligner toute sa dimension essentielle. De ne pas avoir été capable de croire le divin glitch suffisamment humble pour n'être qu'un élément au service d'un ensemble organique. D'avoir passé des années à mettre en avant seulement des albums déshumanisés qui erraient dans la même matrice déshumanisée que moi. Celle qui aurait dû être dénoncée au lieu d'être promue. Bénis soient ceux qui le savaient. Maudit soit le bouffon que je fus. Poems From A Rooftop vient donc réparer enfin des années d'errance sans doutes, une disette intellectuelle quant à ma manière d'envisager la musique électronique. Constat triste mais salvateur. Car l'essentiel est contenu dans ces neuf titres, avec autant d'humilité que de simplicité, élégance et raffinement.

Tout commence avec Conversation, où on comprend immédiatement qu'au jeu des questions-réponses, les "lamentis" du violon de Stolze auront leur mot à dire. Il y a aussi ce sentiment qu'avec deux ou trois accords de guitares et un simple ronflement de basse (ce sera encore plus vrai sur Manami), Doerell peut nous emmener très loin. Encore plus quand les vents de Döring agissent comme des onguent liants. Le glitch est déjà palpable bien que fugace, et n'intervient que rarement pour contrecarrer les plans mélodiques. Mais plutôt pour s'y absoudre et apparaître comme un condiment rythmique. C'est d'autant plus vrai sur le magnifique Maelbeek, lorsqu'il se montre métronomique en représentant de la pulsation. Les cavalcades de carillons font le reste, aidés par le piano furtif et la narration poétique de la clarinette. Les violons sont à pleurer.  Que ceux qui ne parlent qu'en hardware plutôt qu'en tierce mineure et en quarte juste tournent d'ores et déjà les talons.

Manami, ou comme une réunion sur les toits de Dar es Salam pour y attendre la venue de la neige. Ce souffle perceptible apporte lumière et chaleur sur les épaules de celui qui croit en de meilleurs lendemains. On pourra toujours dire jusqu'ici que Doerell applique souvent les même schémas, comme dans Swod, pour dresser ses pièces qui confèrent aux contemplatifs mélomanes le sourire du béat repu. L'hommage au Soylent Green de Richard Fleischer viendra rompre encore une fois les certitudes, en posant tempête de sable et voile enfumé sur un tapuscrit de percussions étranges (peut-être plus digitales qu'exotiques). En plus des ingrédients réguliers (plus en retrait cette fois-ci), on y entend même un accordéon, des samples vocaux et des parasites numériques. Passionnante cohabitation. Si ils ne commettent jamais d'excès de surcharge ou de complexité, les Dictaphone savent se montrer nébuleux. Comme sur le forcément trop court morceau qui donne son nom à l'ensemble de l'oeuvre, véritable canevas de jazz libre et d'expérimentations gentiment vrillées. Avec un excédent de samples et de dérapages de pas rythmiques, A bout de souffle poursuit le même sillon plus abstrait.

Le retour des carillons et des grelots naturels, lèvent le rideau du cabaret jazzy rebelle d'où Mariechen Danz fera couler les larmes de ceux qui savent lire entre les lignes. Simplement magnifique. Les fausses pistes et les arrangements obliques reprendront leurs droits sur le curieux et surprenant Au botanique. L'étiré Nr.12 étendra ses rires et ses miaulements dans sa plainte plus teintée d'espoir que de déchirement.

Devra-t-on encore attendre six ans pour obtenir une nouvelle ration de Dictaphone. Car dans leur cohabitation du jazz, des instrumentations classiques modernes et d'un saupoudrage électronique réside une enivrante poésie humaine et charnelle. Comme dans l'alchimiste, il n'est jamais trop tard pour rechercher l'essentiel au plus près de la simplicité. Avec ce disque indispensable, Dictaphone laisse une relative poignée d'orphelins en attente d'un quatrième acte. L'ouvrage est pressé en quantité plus que limitée, tout le monde ne pourra pas prétendre à profiter de ses bienfaits. Qu'on se le dise.

par Ed loxapac

Sortie : 30 mars 2012

Label : Laybell

Genre : Abstract-electronica

Note : 7,5/10

Two Left Ears est un obscur combo français. Cette entité bicéphale, avec Mathieu Adamski (pour la partie électronique : machines et platines) et Mathieu Deprez (pour la partie instrumentale : contrebasse notamment) aux commandes, officie injustement dans l’ombre depuis une petite poignée d’années. Le précédent opus, Lazy Trace, avait déjà trouvé refuge aux creux de nos oreilles (chronique ici) et on attendait la sortie d’un nouvel album. C’est sur le mini label Laybell que sort *divAAAtion*, étrange et onirique album, oscillant avec facilité entre musique expérimentale et abstraction électronique (et disponible sur Bandcamp pour la modique somme de 5€).

*divAAAtion* concentre son pouvoir d’attraction sur à peine 30 minutes. Le duo ne s’embarrasse donc aucunement de préliminaires stériles. Dès les premiers instants, on est happé par cette atmosphère étrange, nous plaçant dans un état semi-comateux, où plus rien n’est palpable, où tout devient cotonneux et délectable. Marshamallow Lento e Largo impose par la lancinance sa rythmique alanguie. Tout en aspiration, le morceau se dérobe sous nos mains tant sa structure asymétrique empêche toute catégorisation. De lointaines voix fantomatiques viennent même nous provoquer dans nos songes.

On comprend dès lors que Two Left Ears excelle dans le travail des textures sonores. L’approche sensible de cet abstact-électronica fragile prend tout son sens lorsqu’un piano lointain vient rehausser une rythmique affranchie. *divAAAtion* peut alors déployer en toute grâce sa fragilité, sans avoir peur de fléchir en route.

Hormis une tentative de copulation manquée entre des sonorités 8-bit et une voix semblant sortir d’un énigmatique film des 60’s, JayDivas, rien n’est vraiment à jeter dans ce court périple. On retiendra le lumineux Meredith Palpite, s’appuyant sur une fine utilisation du sampling, rappelant le meilleur de Prefuse73, avant d’imposer un grésillement final accaparant tout l’espace sonore. De même, Fuori Tutto impressionne par sa dualité, confrontant avec intelligence une masse noise à de légères touches de field-recordings.

Sous sa carapace expérimentale opaque, *divAAAtion* est un album sensible et profondément humain. Two Left Ears continue ses recherches sonores aux services d’un abstract-électronica résolument poétique. Si vous avez besoin de réconfort, vous savez à quelle porte taper.

par B2B